EGG ROLLS, EGG CREAMS, AND EMPANADAS STREET FESTIVAL
Sunday, June 18, 2023
12:00 PM - 4:00 PM EDT
Eldridge Street between Division & Canal Streets
On June 18, 2023, the Museum at Eldridge Street celebrated its 22nd Egg Rolls, Egg Creams, and Empanadas Street Festival. We welcomed a record-breaking 12,000 guests for a day of music, dance, cultural practices and more. Our signature festival aims to highlight the diverse cultures that make up our Lower East Side and Chinatown community.
See below for a summary of the different artists, performances, and partners we collaborated with to bring the festival to life.
The 2023 Egg Rolls, Egg Creams, and Empanadas Festival is supported, in part, by the National Endowment for the Arts; New York State Council on the Arts with the support of the Office of the Governor and the New York State Legislature; New York City Department of Cultural Affairs in Partnership with the City Council; the Jewish Community Youth Foundation; and a grant from the New York City Tourism Foundation.
12 - 2PM
Lion Dancing from New York Chinese Cultural Center
Cantonese Opera with Yan Wu "Camille" Shuang
Puerto Rican parranda/comparsa plenera with Los Pleneros de la 21
Frank London's Klezmer All Stars
2 - 4PM
Yiddish Singing Trio with The Mamales
Lion Dancing with New York Chinese Cultural Center
String Duet with Jake Shulman-Ment and Raffi Boden
Spoken Word Poetry with Nuyorican Poets Cafe
Puerto Rican and Afro-Latino Salsa with Lulada Club
Loisaida
In 1898, after the United States took control of Puerto Rico following the Spanish American War, American companies gained control over all facets of the island’s economy. By the 1930s decades of exploitation had sent the sugar, coffee, needlework, tobacco and cigar industries into freefall. Beginning in 1947, a series of economic projects known as Operation Bootstrap were implemented by the United States’ government to boost the island’s economy. It was hoped that expansion of industry would absorb all the extra workers who had lost agricultural jobs. This didn’t happen. Between 1950 and 1960, 500,000 individuals migrated from Puerto Rico to the United States mainland (around 20% of the island’s population). While East Harlem in New York had previously housed the largest enclave of Puerto Ricans between the two world wars, large numbers of Puerto Ricans began to settle in the Lower East Side as they searched for economic opportunity. Loisada--the Spanish-phonetic spelling of Lower East Side, coined by poet, playwright, and activist Bimbo Rivas–grew into a thriving Puerto Rican diasporic community. Today, Loisaida is the home to many iconic Puerto Rican cultural institutions, including the Nuyorican Poets Café, founded by poet and scholar Miguel Algarín (which is home of the Nuyorican poetry and literary movement); The Clemente Soto Vélez Cultural & Educational Center, and the Loisaida Center.
1898年，美国在美西战争后控制了波多黎各，美国公司获得了对该岛经济各方面的控制权。到20世纪30年代，几十年的剥削使制糖业、咖啡业、针纺织业、烟草和雪茄业陷入了自由落体状态。从1947年开始，美国政府实施了一系列被称为 “引导行动 ”的经济举措，以促进该岛的经济。政府希望通过扩张工业来吸收所有失去农业工作的额外人员。不过，这项举措并没有收到成效。在1950年至1960年间，有50万人从波多黎各移民到美国大陆（约占该岛人口的20%）。在两次世界大战之间，纽约的东哈林区曾是波多黎各人最大的飞地，而此刻大量的波多黎各人开始在下东区定居以寻求各种经济发展机会。洛伊赛达 (Loisaida)是下东区的西班牙语拼写。这个词是由诗人、剧作家和活动家宾博·里瓦斯(Bimbo Rivas）创造的。该街区发展成为了一个繁荣的波多黎各侨民社区。今天，洛伊赛达是许多波多黎各标志性文化机构所在地，比如，由诗人和学者米格尔·阿尔加林(Miguel Algarin)创办的纽约波多黎各诗人咖啡馆(Nuyorican Poets Café)，也就是纽约波多黎各诗歌和文学运动之家；还有克莱门特·索托·贝莱斯文化和教育中心(The Clemente Soto Velez Cultural & Educational Center)以及洛伊赛达中心(Loisaida Center)。
En 1898, después de que Estados Unidos tomó el control de Puerto Rico tras la Guerra Hispano-Estadounidense, las empresas estadounidenses obtuvieron el control de todas las facetas de la economía de la isla. Para 1930, décadas de explotación habían provocado la caída de las industrias del azúcar, el café, la manufactura de ropa, el tabaco y los puros. A partir de 1947 el gobierno de los Estados Unidos implementó una serie de proyectos económicos conocidos como Operation Bootstrap para impulsar la economía de la isla. Se esperaba que la expansión de la industria absorbería a todos los trabajadores que habían perdido sus trabajos en el campo. Esto no sucedió. Entre 1950 y 1960, 500.000 personas emigraron de Puerto Rico a los Estados Unidos continentales (alrededor del 20% de la población de la isla). Si bien East Harlem en Nueva York había albergado anteriormente el enclave más grande de puertorriqueños entre las dos guerras mundiales, un gran número de puertorriqueños comenzaron a establecerse en el Lower East Side en busca de oportunidades económicas. Loisada, —ortografía fonética en español de Lower East Side, acuñada por el poeta, dramaturgo y activista Bimbo Rivas—, se convirtió en una próspera comunidad puertorriqueña en la diáspora. Actualmente, Loisaida es el hogar de muchas instituciones culturales puertorriqueñas icónicas: el Nuyorican Poets Café, fundado por el poeta y erudito Miguel Algarin (que es el hogar del movimiento literario y poético de Nuyorican); el Centro Cultural Educativo Clemente Soto Vélez y el Centro Loisaida.
Salsa and its Origins
Though the music we call “salsa” falls into the category of popular music available on recordings worldwide, the genres that comprise its foundation are rooted in traditional forms of music. Salsa is based on the Cuban sound that emerged in the late 19th century in the eastern province of Cuba called Oriente. It used bongó, maracas, and clave sticks; in the 1930s congas and timbales were added. This basic instrumentation laid the framework for many salsa bands today. Many of the rhythms that make up Afro-Cuban songs are forms of rumba including the guaguanco and yambú which arose out of music played by Havana dockworkers, rooted in Bantu-Congo drumming and dance. Lyrically, salsa owes a debt to la décima. This verse form originated in the Iberian Peninsula in 1591, when court poet Vicente Espinel institutionalized the verse form of ten octosyllabic lines.). The décima spread throughout Latin America and was used in literary and oral sources. In some places, such as Puerto Rico and Cuba, these lines were usually improvised in performances called controversias by trovadores (troubadours). Salsa retains some of this lyric verse form and the salsa vocalists who can improvise their verses are called soneros (or in the case of Celia Cruz, sonera).
尽管我们称之为“萨尔萨 ”(Salsa)的音乐在世界范围内属于流行音乐的范畴，但构成其基础的各种流派都植根于传统的音乐形式。萨尔萨来源于19世纪末在古巴东部东方省出现的古巴的声音。它使用的主要乐器为邦戈鼓(bongó)、砂槌(maraca)和鼓棒(clave stick)；在20世纪30年代，还增加了康加鼓(conga)和低音铜鼓(timbale)。这些乐器为今天许多萨尔萨乐队奠定了基本框架。构成非洲-古巴音乐的许多节奏来自于伦巴(rumba)，包括源自哈瓦那码头工人音乐的瓜关柯(guaguanco)和扬布(yambú)，都植根于班图-刚果鼓乐和舞蹈。在歌词方面，萨尔萨借鉴了西班牙十行诗(la décima)。这种诗歌形式于1591年起源于伊比利亚半岛，当时宫廷诗人维森特·埃斯皮内尔(Vicente Espinel)将十句八音节的诗歌形式固定下来予以推广。西班牙十行诗传遍了整个拉丁美洲，并被用于文学和口头资料中。在波多黎各和古巴等地，这些诗句通常由游吟诗人(trovadores)在表演中即兴创作，并称之为“争论”(controversias)。萨尔萨保留了这种抒情诗的形式，能够即兴创作诗句的萨尔萨歌手被称为领唱(soneros)，就塞丽娅·克鲁兹(Celia Cruz)而言，她就是女领唱(sonera)。
Aunque la música que llamamos "salsa" está en la categoría de música popular disponible en grabaciones alrededor del mundo, los géneros que componen su base tienen sus raíces en formas tradicionales de música. La salsa se basa en el sonido cubano que surgió a fines del siglo XIX en la provincia oriental de Cuba llamada Oriente. Utilizaba palos de bongó, maracas y clave; en la década de 1930 se agregaron congas y timbales. Esta instrumentación básica sentó las bases para muchas bandas de salsa de la actualidad. Muchos de los ritmos que componen las canciones afrocubanas son formas de rumba, incluidos el guaguancó y el yambú, que surgieron de la música tocada por los trabajadores portuarios de La Habana, arraigada en la percusión y la danza bantú-congo. Líricamente, la salsa tiene una deuda con la décima. Esta forma de verso se originó en la Península Ibérica en 1591, cuando el poeta Vicente Espinel institucionalizó la forma de verso divididos en diez líneas de ocho sílabas). La décima se extendió por América Latina y se utilizó en fuentes literarias y orales. En algunos lugares, como Puerto Rico y Cuba, estas líneas generalmente se improvisaban en actuaciones llamadas controversias por trovadores. La salsa conserva algo de esta forma de verso lírico y los vocalistas de salsa que pueden improvisar sus versos se llaman soneros (o en el caso de Celia Cruz, sonera).
Plena Music
Plena arose in Puerto Rico in the early part of the 20th century as Puerto Rican farmers and formerly enslaved peoples migrated to the cities, and immigrants from the English-speaking Caribbean such as St. Kitts, Jamaica, and St. Thomas arrived in Puerto Rico. The Ponce neighborhood of Joya de Castillo was where one of plena’s early composers, Joselino “Bum Bum” Oppenheimer, an ox plow driver, would improvise songs to the cadence of his oxen’s footsteps. Plena came to be known as el periódico cantado (the sung newspaper) because it conveys important issues or events and comments on everyday life. In New York City, plena began to gain popularity in the 1920s as the Puerto Rican community was growing in Harlem and the city was becoming the world’s capital for the music recording industry. In this era, many plenas were recorded, leading to a quasi-“golden era.” Groups like Canario y su Grupo and Los Reyes de la Plena recorded many songs which commented on life in their new metropolis. However, as the mambo era grew, plena lost much of its commercial viability. Today, plena (along with the other Afro-Puerto Rican genre, bomba), has been enjoying a renaissance thanks to a new generation of musicians reclaiming the music while innovating and invigorating the tradition.
随着波多黎各农民和以前被奴役的人们迁移到城市，随着来自加勒比海英语区如圣基茨、牙买加和圣托马斯等地的移民来到了波多黎各，普莱纳(Plena)在20世纪早期就这样在波多黎各诞生了。约塞利诺· “邦邦” ·奥本海默(Joselino "Bum Bum" Oppenheimer)是普莱纳早期作曲家之一，他也是位牛犁手，他在庞塞的华雅德卡斯提洛区(Joya de Castillo)会随着牛的脚步声即兴创作歌曲。普莱纳被称为歌唱的报纸 (el periódico cantado)，因为它传达了重要的讯息以及对日常生活的评论。普莱纳于20世纪20年代在纽约开始流行，因为哈林区的波多黎各社区正在不断壮大，而且纽约也正成为世界音乐唱片业的中心。在那个时代，许多普莱纳歌曲被录制，从而促生了普莱纳的准黄金时代。像金丝雀和他的乐队(Canario y su Grupo)和普莱纳之王(Los Reyes de la Plena)这样的音乐团体录制了许多歌曲，对他们崭新的大都市生活予以评论。然而，随着曼波舞(mambo)时代的到来，普莱纳舞失去了其商业可行性。今天，新一代的音乐家们在创新和振兴传统的同时重拾这种音乐，普莱纳（连同另一种非洲裔波多黎各的流派邦巴）已经得以复兴。
Las plenas surgieron en Puerto Rico a principios del siglo XX cuando los granjeros puertorriqueños y los antiguos esclavos emigraron a las ciudades, y los inmigrantes del Caribe de habla inglesa, como St. Kitts, Jamaica y St. Thomas, llegaron a Puerto Rico. Rico. El barrio Ponceen Joya de Castillo era donde uno de los primeros compositores de plena, Joselino “Bum Bum” Oppenheimer, un arriero de bueyes, improvisaba canciones al ritmo de las pisadas de sus bueyes. La Plena pasó a ser conocida como “el periódico cantado” porque transmite temas o hechos importantes y comenta sobre la vida cotidiana. En la ciudad de Nueva York, la plena comenzó a ganar popularidad en la década de 1920, cuando la comunidad puertorriqueña crecía en Harlem y la ciudad se convertía en la capital mundial de la industria discográfica. En esta era, se registraron muchas plenas, lo que llevó a una cuasi-“era dorada”. Grupos como Canario y su Grupo y Los Reyes de la Plena grabaron muchas canciones que comentaban la vida en su nueva metrópoli. Sin embargo, a medida que crecía la era del mambo, la plena perdió gran parte de su viabilidad comercial. Hoy en día, la plena (junto con el otro género afropuertorriqueño, la bomba), ha disfrutado de un renacimiento gracias a una nueva generación de músicos que reclaman la música mientras innovan y vigorizan la tradición.
Bomba Drumming
The Puerto Rican bomba tradition is the oldest of Puerto Rico’s Afro-based musical traditions, with roots in West Africa. Bomba developed in the context of colonial plantation life when enslaved Africans participated in dances (bailes) to mark days off, baptisms, and marriages. The drums used in bomba are called barriles. A bomba group requires at least two or three barriles, a cua (a pair of sticks struck upon a hard surface), and a single maraca. The barriles that keep the constant rhythm are called the buleadores, or seguidores, while the drum that interacts with the dancers when they perform their piquetes (steps), is called the primo or subidor. During the dance, the dancer creates a dialogue with the drummer of the subidor, by getting the drummer to respond to her dance movements with repiques or toques (drum strokes).
来源于西非的邦巴(bomba)是波多黎各最古老的非洲音乐传统。邦巴是在殖民时期种植园生活的背景下发展起来的，当时被奴役的非洲人参与舞蹈表演（bailes）以此来标识休息日、洗礼与婚礼。邦巴使用的鼓被称为木鼓(barriles)。一个邦巴乐队至少需要两到三只木鼓，一对在硬表面上敲击的棍子(cua)，以及单只砂槌(maraca)，有保持恒定节奏的木鼓(buleadores或seguidores)，还有与舞者节奏(piquetes)互动的木鼓(primo或subidor)。在舞蹈过程中，舞者让鼓手用鼓点(repiques或toques)来回应舞蹈动作，从而产生对话。
La tradición de la bomba puertorriqueña es la más antigua de las tradiciones musicales con base afro de Puerto Rico, con raíces en África Occidental. La bomba se desarrolló en el contexto de la vida de las plantaciones coloniales cuando los africanos esclavizados participaban en bailes para celebrar días libres, bautizos y matrimonios. Los tambores que se usan en la bomba se llaman barriles. Un grupo de bomba requiere por lo menos dos o tres barriles, una cua (un par de palos golpeados sobre una superficie dura) y una sola maraca. Los barriles que mantienen el ritmo constante se llaman buleadores o seguidores, mientras que el tambor que interactúa con los bailarines cuando ejecutan sus piquetes (pasos) se llama primo o subidor. Durante el baile, la bailarina crea un diálogo con el tamborilero del subidor, haciendo que el tamborilero responda a sus movimientos de baile con repiques o toques (golpes de tambor).
Pandereta
Plena is much more melodic than bomba, but it too has drums as its core instrument. The hand-held frame drums are called panderetas (similar to jingle-less tambourines). Handheld frame drums are among the oldest known musical instruments. The frame drum is a familiar component of shamanistic traditions in Asia and North America, where the practitioners tend to play the drumhead with a stick or other implement. In the Mediterranean traditions, the drums were played with bare hands—and this is where the pandereta has its origins. For a complete traditional plena ensemble at least three panderetas are needed—the lead drum called the requinto, which accents the melody and takes solos; the punto de clave (or punteador), the middle drum in pitch and tonality; and the largest drum, known as the fundador or seguidora which keeps the rhythmic foundation. Also essential to the ensemble is the scraped gourd called a guicharo or guiro.
普莱纳比邦巴的旋律感更强，但核心乐器还是鼓。手持的框架鼓被称为西班牙小手鼓（类似于无铃铛的手鼓）。手持框架鼓是已知的最古老的乐器之一。框架鼓是亚洲和北美萨满教传统中常见的组成部分，演奏者往往用一根棍子或其他工具来击打鼓头。在地中海的传统中，鼓是用手打的，而这就是西班牙小手鼓的起源。
一场完整的传统普莱纳合奏至少需要三只西班牙小手鼓：主鼓(requinto)，用于强调旋律和独奏；中间鼓(punto de clave或 punteador)，用于协调音调和音高；大鼓(fundador 或 seguidora)，保持基础节奏。合奏中必不可少的还有刮削葫芦(guicharo或guiro)。
La plena es mucho más melódica que la bomba, pero también tiene la percusión como instrumento central. Los tambores de mano se llaman panderetas (similares a las panderetas sin tintineo). Los tambores de mano se encuentran entre los instrumentos musicales más antiguos que se conocen. El tambor de mano es un componente familiar de las tradiciones chamánicas en Asia y América del Norte, en éstas, los practicantes tienden a tocar la piel del tambor con un palo u otro instrumento. En las tradiciones mediterráneas, los tambores se tocaban con las manos desnudas, aquí es donde la pandereta tiene su origen. Para un conjunto plena tradicional completo se necesitan al menos tres panderetas: el tambor principal llamado requinto, que acentúa la melodía y toca los solos; el punto de clave (o punteador), el tambor central en tono y tonalidad; y el tambor mayor, conocido como fundadora o seguidora que mantiene la base rítmica. También es esencial para el conjunto la calabaza raspada llamada güícharo o güiro.
Vejigante Masks
Carnival, which is derived from the Latin “farewell to the flesh,” is a time for great celebration ahead of the period of Lent, which is a time of abstinence and spirituality. Carnival’s antecedents include pagan celebrations honoring the coming of spring and the Roman Lupercalia, honoring the god of fertility. The Catholic Church slowly appropriated and transformed many of these practices during late antiquity. Though there are many characters and figures which are portrayed at Carnival, it is the vejigante that attracts everyone’s attention. The masks are made of papier maché and have an animal-like appearance with many horns and monstrous teeth. Though scary in appearance, the maskers are clowns and mischief-makers – dancing, singing and chasing participants. The vejigantes dance in the processions to the Afro-Puerto Rican musical genres of bomba and plena.
狂欢节(carnival)这个词源于拉丁语，意思是告别肉体。狂欢节是大斋期之前的一场盛大的庆祝活动，而大斋期则是禁欲和修行的时期。狂欢节的前身包括异教徒纪念春天到来的庆祝活动和罗马人的牧神节(Lupercalia)，后者是敬畏生育之神的节日。天主教会在古典时代晚期慢慢挪用和改造了其中的许多做法。虽然狂欢节上有许多人物和造型，但最吸引大家注意力的则是维吉甘特(vejigante)。这种面具用纸糊成，具有类似动物造型的外观，还有许多大角和怪异的牙齿。虽然面具外形可怕，但戴面具的演员扮演的都是小丑或是恶作剧者这样的角色，他们又唱又跳，还会追逐观众。在游行队伍中，戴着维吉甘特面具的演员伴随着非洲-波多黎各的邦巴和普莱纳音乐翩翩起舞。
El carnaval, que deriva del latín “adiós a la carne”, es un momento de celebración antes del período de Cuaresma, que es el tiempo de abstinencia y espiritualidad. Los antecedentes del carnaval incluyen celebraciones paganas en honor a la llegada de la primavera y la Lupercalia romana, en honor al dios de la fertilidad. La Iglesia Católica se apropió y transformó lentamente muchas de estas prácticas durante la antigüedad tardía. Aunque son muchos los personajes y figuras que se representan en el Carnaval, es el vejigante el que atrae la atención de todos. Las máscaras están hechas de papel maché y tienen un aspecto animal con muchos cuernos y dientes monstruosos. Aunque dan miedo en apariencia, los enmascarados son payasos y traviesos: bailan, cantan y persiguen a los participantes. Los vejigantes bailan en las procesiones al ritmo de los géneros musicales afropuertorriqueños de bomba y plena.
Chinatown
Manhattan's Chinatown (one of New York City’s oldest) is generally understood to be the two square miles of shops, restaurants, and tenement apartments demarcated by Mott and Worth Street on the southwest side and Grand and Canal Street on the northeast, with a population of about 90,000 residents. Historically, the neighborhood was a place of necessity for Chinese people arriving on the eastern shores of America: the Chinese Exclusion Act of 1882, coming on the heels of decades of rising anti-Chinese sentiments and violence (particularly in California) grounded in xenophobia, prohibited new immigration from China. Originally intended to last ten years, the Act was renewed and made permanent in 1902, only being fully repealed in 1943. Consequently, many Chinese families already in the States moved East, centering themselves in the Lower East Side near the other major port of entry into the country—Ellis Island. By the turn of the century, the Lower East Side was well-known as a diverse and immigrant-friendly neighborhood, with (crowded) housing available in tenement buildings and plentiful—if low-wage—work.
The Immigration and Nationality Act of 1965 lifted many de facto restrictions that had prevented significant Chinese immigration, even following the repeal of the Exclusion Act. Subsequently, the population began to grow rapidly, which did not slow until the early 2000s.
Chinatown today faces a crisis of displacement and flux as shophouses and residences alike give way to banks and hotels. More and more young professionals without connection to the area have moved in as they become the only ones able to afford rising rents, as Chinatown’s long-time locals reside in the last of the neglected apartments and old city projects along the sprawling edges of the East River. Between 2000 and 2010, the population of new white and wealthier residents grew by nearly 50 percent.
Still, there are many exciting revitalization and preservation campaigns underway—some tied to organizations and commissions, and some led by longtime residents and their descendants. Wing on Wo & Co., thought to be the oldest continuously-run business in Chinatown, transitioned into the hands of Mei Lum, the second-youngest grandchild of the family who established the store back in the 1890s. Lum has not only worked to keep Wing on Wo’s doors open, but also founded the W.O.W Project, a “queer and trans-led community effort to grow and protect Chinatown’s creative culture in a time of rapid change.”
曼哈顿唐人街（即纽约市最古老的唐人街之一）通常被认为是由西南走向的勿街和窝夫街以及东北走向的格兰街和坚尼街划分成的两平方英里的商店、餐馆和公寓大楼，该社区的居民约有9万人。从历史上看，该社区是中国人抵达美国东岸的必经之地：1882年的《排华法案》是在几十年的反华情绪和暴力（特别是在加利福尼亚州）的基础上出台的，以禁止来自中国的新移民。该法案最初计划持续10年，但在1902年被延期并成为永久性法案，直到1943年才被完全废除。因此，许多已经移民美国的中国家庭向东迁移，聚集在下东区，靠近另一个进入美国的主要港口埃利斯岛。到了世纪之交，下东区以其文化多元性和对移民友善而闻名，出名的还有（拥挤不堪的）公寓大楼和遍地都是的工作，尽管工资微薄。1965年颁布的《移民和国籍法》取消了甚至在《排华法案》废除之后仍存在的许多事实上阻止大量华人移民的限制。此后，移民人口开始迅速增长，直到21世纪初才有所减缓。在20世纪80年代末，大量来自福州的移民涌入，改变了该地区的语言人口结构——从由粤语主导到普通话、粤语和别的地区方言相混合。今天的唐人街面临着居民流离失所以及蜕变的危机，银行和酒店替代了商店和住宅。越来越多与该地区毫不相干的年轻白领搬了进来，因为只有他们才负担得起不断上涨的租金，而唐人街的老居民则被挤在伊斯特河边上最后一排被忽视的公寓大楼和旧城安居楼。2000年至2010年期间，新搬来的白人和较富裕的居民人口增长了近50%。尽管如此，仍有许多令人兴奋的发展和保护运动正在如火如荼地展开，有些与机构和委员会有关，另一些则由老居民和他们的后代领导。永安和(Wing on Wo & Co.)被认为是纽约唐人街持续经营的最古老的店铺，现已由林美虹(Mei Lum)接手，她是19年代90年代建立起家族生意的林家孙子辈，排行倒数第二。林美虹不仅努力使永安和的大门永远敞开，而且还创立了永安和项目。该项目由同性和变性人士领导，旨在建设社区，在快速变化的时期发展和保护唐人街的创意文化。
El barrio chino de Manhattan (uno de los más antiguos de la ciudad de Nueva York) generalmente se conoce como las dos millas cuadradas de tiendas, restaurantes y apartamentos delimitados por Mott y Worth Street en el lado suroeste y Grand y Canal Street en el noreste, con una población de unos 90.000 habitantes. Históricamente, el vecindario era un lugar de necesidad para los chinos que llegaban a las costas orientales de Estados Unidos: la Ley de Exclusión de Chinos de 1882, que siguió a décadas de crecientes sentimientos y violencia contra los chinos (particularmente en California) basada en la xenofobia, prohibió la nueva inmigración de China. Originalmente pensada para durar diez años, la Ley se renovó y se hizo permanente en 1902, y solo se derogó por completo en 1943. En consecuencia, muchas familias chinas que ya estaban en los Estados Unidos se mudaron al Este, centrándose en el Lower East Side cerca del otro puerto de entrada principal del país: Ellis Island. Para el cambio de siglo, el Lower East Side era bien conocido como un vecindario diverso y amigable con los inmigrantes, con viviendas (abarrotadas) disponibles en edificios de departamentos y abundante trabajo, aunque con salarios bajos. La Ley de Inmigración y Nacionalidad de 1965 levantó muchas restricciones de facto que habían impedido una inmigración china significativa, incluso después de la derogación de la Ley de Exclusión. Posteriormente, la población comenzó a crecer rápidamente, esto no desaceleró hasta principios de la década de 2000. A fines de la década de 1980, una gran afluencia de inmigrantes de Fuzhou cambió la demografía lingüística del vecindario, de principalmente cantonés a una mezcla de mandarín, cantonés y dialectos regionales. Chinatown se enfrenta hoy a una crisis de desplazamiento y flujo a medida que las casas comerciales y las residencias dan paso a bancos y hoteles. Más y más jóvenes profesionales sin conexión con el área se han mudado a medida que se convierten en los únicos que pueden pagar los alquileres cada vez mayores, ya que los lugareños de Chinatown desde hace mucho tiempo residen en los últimos apartamentos abandonados y proyectos sociales a lo largo de los extensos bordes del East River. Entre 2000 y 2010, la población de nuevos residentes blancos y más adinerados creció casi un 50 por ciento. Pese a todo, hay muchas campañas emocionantes de revitalización y preservación en marcha, algunas vinculadas a organizaciones y comisiones, y otras dirigidas por residentes de toda la vida y sus descendientes. Wing on Wo & Co., considerado el negocio más antiguo de Chinatown, pasó a manos de Mei Lum, la segunda nieta más joven de la familia que abrió la tienda en la década de 1890. Lum no sólo ha trabajado para mantener abiertas las puertas de Wing on Wo, sino que también fundó el Proyecto WOW, un "esfuerzo comunitario liderado por homosexuales y trans para hacer crecer y proteger la cultura creativa de Chinatown en una época de cambios rápidos".
Mahjong
According to folklore, the great Chinese philosopher Confucius developed mahjong around 500 B.C.E. and popularized it in the various provinces he visited as a teacher. In actuality, mahjong developed in the 19th century, but given its revered status in Chinese history, it is no surprise that mahjong is the game of choice for many elders in the community. Mahjong was introduced to the United States in the 1920s and became particularly popular among Jewish women—a phenomenon that continues today. Social clubs organize around mahjong and the games can often be quite competitive and involve bets. Serious players even have superstitions about picking the right seat or wearing a lucky trinket. The rules are complex and have many regional variations. A typical game is played with four players, and involves skill, strategy, calculation, and some luck.
根据民间传说，伟大的中国哲学家孔子在公元前500年左右发明了麻将，并以老师的身份周游列国进行推广。事实上，麻将是在19世纪才得以发展起来的，但鉴于其在中国历史上的崇高地位，麻将成为社会上许多长者首选的娱乐方式也就不那么奇怪了。麻将在20世纪20年代被引入美国，在犹太妇女中特别流行——这一现象一直持续到今天。俱乐部社交围绕着麻将组织起来，麻将往往带有很强的竞争性，并涉及赌注。热衷于麻将的玩家甚至迷信选择黄金座位或佩戴幸运饰品。麻将的规则很复杂，有许多地区差异，通常是由四个人玩，涉及技巧、策略、算计和运气。
Según el folclore, el gran filósofo chino Confucio inventó el mahjong alrededor del año 500 a. C. y lo popularizó en las distintas provincias que visitó como maestro. En realidad, el mahjong se desarrolló en el siglo XIX, pero dado su venerado estatus en la historia china, no sorprende que el mahjong sea el juego elegido por muchos ancianos de la comunidad. El Mahjong se introdujo en los Estados Unidos en la década de 1920 y se volvió particularmente popular entre las mujeres judías, un fenómeno que continúa en la actualidad. Los clubes sociales se organizan en torno al mahjong y los juegos a menudo pueden ser bastante competitivos e involucrar apuestas. Los jugadores serios incluso tienen supersticiones para elegir el asiento correcto o usar una baratija de la suerte. Las reglas son complejas y hay muchas variaciones regionales. Un juego típico se juega con cuatro jugadores e involucra habilidad, estrategia, cálculo y algo de suerte.
Folk & Traditional Chinese Music
For thousands of years, music in China was understood as a manifestation of nature and was often played to counteract supernatural forces, evoke harmony, and calm the temperaments. In rural China, music is an integral part of life—a vehicle for worship, indispensable in the ceremony and entertainment that mark life-cycle events and seasonal celebrations. The make and effects of Chinese instruments are associated with human attributes—for example, the yangqin (hammered dulcimer) is thought to be light and crisp and elevating for the spirit while the erhu (two-stringed fiddle) is associated with the gang (steely) character of the Monguls (but can also be soft and mournful). The modern Chinese orchestra is composed of instrumental groups including the xianyue (strings), guanyue (winds), and the percussion group comprising ban (clappers), datonggu (barrel drum), naoba (cymbals), yiyunluo (small suspended gongs) and the muyu, or wooden fish (a hollow wooden-slit round drum that is shaped like the mouth of a fish). The Chinese orchestra is distinguished by the tanbo group, which refers to a wide range of plucked-stringed instruments including the pipa (classical lute), zheng (harp), liuqin (willow guitar), yueqin (moon guitar), ruan (mid or low bass guitar), and the percussive hammered dulcimer or yangqin. Chinese wind instruments are subdivided into guanzi (reed oboes) and dizi (bamboo flutes). From public squares to great music halls, Chinese musical instruments have become quite visible in urban settings around the world. Chinese music as played in small ensembles today remains true to tradition and is an essential part of dance and theater performances including regional operas, stylized martial arts and acrobatics.
几千年来，音乐在中国传统中被认为是自然的一种表现形式，用来对抗超自然的力量，唤醒和谐，安抚情绪。在中国农村，音乐是生活中不可或缺的一部分，是崇拜的载体，在标志着生命周期和季节的庆祝仪式和娱乐活动中必不可少。中国乐器的制作和音效与人的特质有关。例如，扬琴轻快，能提升人的精神，而二胡则与蒙古人的刚毅性格有关（但也可以是柔和的、哀伤的）。现代中国管弦乐队由弦乐、吹管乐和打击乐组成，其中打击乐包括板、大铜鼓、铙钹、小锣和木鱼（中空的木质圆鼓，形状像鱼嘴）。中国的管弦乐队以弹拨乐器为特色，其中包括琵琶、古筝、柳琴、月琴、阮，以及敲击式的扬琴。中国的吹管乐器又分为管子和笛子。从公共广场到大型音乐厅，中国乐器在世界各地已相当常见了。今天，小型合奏的中国音乐仍然忠实于传统，是舞蹈和包括地方戏、武术杂耍在内的戏剧表演的重要组成部分。
Durante miles de años, la música en China se entendió como una manifestación de la naturaleza y, a menudo, se tocaba para contrarrestar las fuerzas sobrenaturales, evocar la armonía y calmar los temperamentos. En la China rural, la música es una parte integral de la vida: un vehículo para el culto, indispensable en las ceremonias y el entretenimiento que marcan los eventos del ciclo de vida y las celebraciones estacionales. La hechura y los efectos de los instrumentos chinos se asocian con atributos humanos; por ejemplo, se cree que el yangqin (dulcimer) es ligero, nítido y eleva el espíritu, mientras que el erhu (violín de dos cuerdas) se asocia con el carácter gang (acero) de los mongoles (pero también puede ser suave y lúgubre). La orquesta china moderna está compuesta por grupos instrumentales que incluyen xiangyue (cuerdas), guangyue (vientos) y el grupo de percusiones que comprende ban (castañuelas), datonggu (tambor de barril), naoba (címbalos), yiyunluo (pequeños gongs suspendidos) y el muyu, o pez de madera (un tambor hueco redondo con hendiduras de madera que tiene la forma de la boca de un pez). La orquesta china se distingue por el grupo tanbo, que se refiere a una amplia gama de instrumentos de cuerda pulsada que incluyen la pipa (laúd clásico), zheng (arpa), liuqin (guitarra de sauce), yueqin (guitarra lunar), ruan (guitarra media o bajo), y el dulcimer martillado de percusión o yangqin. Los instrumentos de viento chinos se subdividen en guanzi (oboes de caña) y dizi (flautas de bambú). Desde plazas públicas hasta grandes salas de música, los instrumentos musicales chinos se han vuelto bastante visibles en entornos urbanos de todo el mundo. La música china que se toca en pequeños conjuntos, sigue siendo fiel a la tradición y es una parte esencial de las representaciones teatrales y de danza, incluidas las óperas regionales, las artes marciales estilizadas y las acrobacias.
Cantonese Opera
Out of the more than 300 operatic styles in China, Beijing-style or Peking Opera is perhaps best known (thanks to its special status as the official theater of China); indeed, the bold painted Beijing opera mask is now an unmistakable symbol of Chinese theater around the world. But Cantonese opera (originating in the southeastern Guangdong Province) was what Chinese immigrants brought with them to the Lower East Side. As early as 1852, communities began sponsoring visits from traveling Cantonese opera groups and helping to establish permanent theaters. The first Chinese theater in New York’s Chinatown opened at 5 Doyers Street in 1883.
Cantonese opera shares much in common with other operatic styles from the Southern regions and provinces in China (music, vocal performance, martial arts demonstrations, acrobatics, highly elaborate face paint, and intricate costume design), and frequently elaborates on themes found throughout the Chinese operatic tradition (familial loyalty, fidelity, romantic love, and patriotism). Shanghai emerged as an early hub for Cantonese opera in the region during the 1800s, but during the 1900s, as Hong Kong’s population swelled under British colonial control, the style planted firm roots on the peninsula and surrounding islands.
According to the New York Historical Society, the Doyers street theater hosted a benefit performance for the Jewish victims of the Kishinev pogrom in Russia in 1903. So many people showed up for the first night’s performance that they ultimately gave three consecutive performances. Raising $280 for the Kishinev Jews, the night ended with a banquet at the Chinese Delmonico Restaurant, located at 24 Pell Street.
The Chinese Musical and Theater Association was founded in 1931 in New York City, during what constituted the “golden age” of Cantonese opera in the United States. At the peak of interest, theaters put on close to 250 performances a year. The Association remains active in the new millennium, though their physical location closed in 2018. Today, the Doyers street theater has been restored and converted into a multi use space containing celebrated restaurant Chinese Tuxedo, serving mostly Cantonese-style fare with a contemporary Lower East side twist. Cantonese opera continues to find audiences around the globe. Hong Kong remains a hub of revitalized Cantonese opera, imagined for new generations of patrons while maintaining the themes and expressions that have entranced devotees of the medium for centuries.
在中国300多种戏曲剧种中，京剧或许是最有名的（由于其作为中国官方剧的特殊地位）；事实上，大胆的彩绘京剧脸谱是世界上中国戏剧最为鲜明的象征。但中国移民却把粤剧（起源于广东省东南部）带到了下东区。早在1852年，社区就开始赞助巡演的粤剧团来访，并资助建立永久性剧院。1883年，纽约唐人街的第一家中国剧院在宰也街5号开业。粤剧与中国南方地区和省份的其他戏曲剧种有很多相同之处（音乐、声乐形式、武术表演、杂技、精致的脸谱和复杂的服饰），该剧种阐释的也是中国戏曲中的传统主题（护家、忠诚、浪漫的爱情和爱国的理想）。上海在19世纪成为该地区早期的粤剧中心，但在20世纪，随着香港人口在英国殖民统治下的飞速增长，粤剧在这片半岛和周边的岛屿上扎下了根。根据纽约历史学会的资料，1903年，宰也街剧院为俄罗斯基希讷乌大屠杀的犹太受害者举办了一场义演。第一晚的演出有很多人前来观看，最终连续出演了三场。这几场义演为基希讷乌犹太人筹集了280美元，为此，当晚在位于披露街24号的中国万里云餐厅(Chinese Delmonico)举办了宴会。中国音乐剧和戏剧协会于1931年在纽约市成立，当时正值粤剧在美国的 “黄金时代”。 在鼎盛时期，剧院每年有近250场演出。该协会在新千年仍然活跃，尽管协会所在地于2018年关闭。今天，宰也街的剧院已被修复，并被改造成一个多功能空间，里面有著名的餐厅探花楼(Chinese Tuxedo)，主要提供具有当代下东区风格的粤菜。粤剧继续在全球范围内拥有忠实的观众。香港仍然是粤剧振兴的中心，为新一代的观众提供想象空间，同时还继续保留着几个世纪以来令粤剧爱好者着迷的主题和表现形式。
La ópera cantonesa tiene mucho en común con otros estilos operísticos de las regiones y provincias del sur de China (música, interpretación vocal, demostraciones de artes marciales, acrobacias, pintura facial muy elaborada y diseño de vestuario intrincado), y con frecuencia desarrolla temas que se encuentran en todo el teatro chino. tradición operística (lealtad familiar, fidelidad, amor romántico y patriotismo). Shanghai surgió como uno de los primeros centros de ópera cantonesa en la región durante la década de 1800, pero durante la década de 1900, cuando la población de Hong Kong aumentó bajo el control colonial británico, el estilo echó raíces firmes en la península y las islas circundantes. Según la Sociedad Histórica de Nueva York, el teatro de la calle Doyers acogió una función benéfica para las víctimas judías del pogrom de Kishinev en Rusia en 1903. Tantas personas asistieron a la función de la primera noche que finalmente ofrecieron tres funciones consecutivas. Recaudaron $280 para los judíos de Kishinev, la noche terminó con un banquete en el restaurante chino Delmonico, ubicado en el número 24 de la calle Pell. La Asociación de Teatro y Musica de China se fundó en 1931 en la ciudad de Nueva York, durante lo que constituyó la “edad de oro” de la ópera cantonesa en los Estados Unidos. En el pico de interés, los teatros dieron cerca de 250 representaciones al año. La Asociación permanece activa en el nuevo milenio, aunque su ubicación física cerró en 2018. Hoy, el teatro de la calle Doyers ha sido restaurado y convertido en un espacio de usos múltiples que contiene el célebre restaurante Chinese Tuxedo, que sirve principalmente comida de estilo cantonés con un toque contemporáneo del Lower East Side. La ópera cantonesa continúa encontrando audiencias en todo el mundo. Hong Kong sigue siendo un centro de ópera cantonesa revitalizada, imaginada para las nuevas generaciones de patrocinadores mientras mantiene los temas y expresiones que han fascinado a los devotos del medio durante siglos.
Southern Lion Dance
The Southern lion dance is easily recognizable for its colorful large head with big bulging eyes, some furry trimmings, and a wide flapping tongue with whiskers. This paper- maché head is held by one person – the head dancer – while its scaly tail made of light fabric is just long enough for a second dancer hunched under it behind and holding on to the waistband of the head dancer. Unlike its Northern (much heavier-set) counterpart (the jingshi, or Beijing lion), the Southern lion is lighter weight and its performance most captivating when the head dancer jumps on the shoulder of the partner behind him and dramatically raises the lion head. Tied closely to the southern kungfu tradition, this lion dance style is characterized by short jerky moves, deliberate stumping and sharp turning and rolling of the head which gives the lion an austere “fighting” posture. The lion dance is rooted in Chinese rituals and festivities; typically the dance along with the loud drumming and clashing of cymbals and gongs is a must-have on weddings or the launch of a business as this mythic creature is believed to usher good luck and ward off evil spirits for the occasion.
南方舞狮很容易辨认，狮头色彩艳丽，大眼鼓鼓，身披茸毛装饰，大舌头上还带着胡须。纸糊的狮头由狮头舞者握住，而那条用轻质织物制成的有鳞的狮被刚好够狮身舞者蜷缩在下面，紧紧抓住狮头舞者的腰带。与北方舞狮（京狮）不同，南狮重量较轻，当狮头舞者跳到狮身舞者的肩膀上并戏剧性地抬起狮头，此时的表演最吸引人。这种舞狮风格与南方功夫传统紧密相连，其特点是动作干净利落，通过狮头急转和摇晃，使狮子呈现出肃杀的 “打斗 ”姿态。舞狮植根于中国的礼仪庆典；通常情况下，舞狮和响亮的锣鼓是婚庆、开业的必备节目，因为人们认为这种神奇的动物能带来好运，驱散恶鬼。
La danza del león del sur de China se reconoce fácilmente por el gran títere de león con su colorida cabeza con bigotes, ojos grandes y saltones, adornos peludos y lengua ancha y aleteante. Esta cabeza de papel maché está sostenida por el bailarín principal, mientras que la cola escamosa, hecha de tela ligera, es lo bastante larga para que un segundo bailarín se agache debajo de ella y sujete la cintura del bailarín principal. A diferencia de su contraparte del norte (el jingshi, o león de Beijing), que es peludo de la cabeza a la cola, el león del sur es más ligero. También se distingue por la cautivadora maniobra que realiza el bailarín principal saltando sobre el hombro del compañero detrás de él, levantando dramáticamente la cabeza del león. Vinculado estrechamente a la tradición del kung fu del sur, este estilo de danza del león se caracteriza por movimientos bruscos cortos, pisotones deliberados, giros repentinos y un balanceo de la cabeza, lo que le da al león una postura de "lucha". La danza del león tiene sus raíces en los rituales y festividades chinas. El baile, acompañado de fuertes tambores y choques de címbalos y gongs, es una tradición durante las bodas, el lanzamiento de un negocio o el comienzo de un nuevo año, ya que se cree que esta criatura mítica trae buena suerte y aleja los malos espíritus.
Chinese Paper Cutting
Paper was invented in China; so, too, was using paper as a form of artistic expression. Precise origins are difficult to pinpoint, but historians believe that Chinese paper cutting may have emerged concurrently with paper as a mass-produced medium in the second century. Folk artisans would have been familiar with cutting negative space patterns from other materials, but paper’s affordability would have allowed for greater creative experimentation. As paper cutting spread across China (and beyond), different communities nurtured different styles and techniques. As many people use paper cuts to decorate windows, doors, and entranceways, they have often been colloquially referred to as chuang hua or “window flowers.” Perhaps unsurprisingly, red has long been a favored choice for paper cut creations, given red’s many positive associations in Chinese culture. Other colors, however, may be used. Today, artists utilize scissors or knives to shape and form their pieces, which hews closely to historical methods for achieving paper cut designs. According to Ling Tang, the artist paper-cutting for this year’s festival, paper cutting remains a popular art form that is integral to Chinese culture. “During the Lunar New Year,” she says, “households use paper cuts to decorate their homes. One reason for its popularity is its accessibility; simple tools such as scissors and paper (and experienced artists may use x-acto knives) make it easy for people of all ages and skill levels to participate. Traditionally, paper cutting is considered one of the essential women's craft skills, particularly in rural China. Today, it is still being passed down from generation to generation but with a much wider population. The transmission of knowledge typically takes place within families, communities, and at schools with experienced paper cutting masters.”
纸是中国发明的；同样地，使用纸张作为一种艺术表现形式也是中国发明的。虽然起源很难确定，但历史学家认为，中国剪纸可能是在2世纪与纸作为一种大规模生产的媒介同时出现的。民间工匠本来就熟悉用其他材料切割负空间图案，但纸的价格低廉，可以进行更多的创造性实验。随着剪纸在中国（以及其他地区）的传播，各地发展出了不同的风格和技术。许多人用剪纸来装饰窗户、大门和入口处，所以剪纸也常被俗称为 “窗花”。鉴于红色在中国文化中的积极意义，红色长期以来作为剪纸创作的首选也就不让人奇怪了。然而，剪纸也可以使用其他颜色。今天，艺术家们利用剪刀或刻刀来塑造他们的作品，秉承了历史上剪纸的工艺。据今年剪纸艺术家汤泠介绍，剪纸仍然是一种流行的艺术形式，是中国文化的组成部分。她说：“每逢农历新年，很多家庭都会用剪纸来装饰他们的家。剪纸受欢迎的原因在于其可及性；简单的工具，如剪刀和纸（有经验的艺术家可以使用专业刻刀），让各个年龄段和技能水平的人都能轻松参与。传统上，特别是在中国农村，剪纸被认为是妇女的基本工艺技能之一。今天，剪纸仍然在代代相传，但传播得更广、更远。通常在家庭、社区和有剪纸大师的学校里，剪纸的技艺得以传承。"
El papel se inventó en China; también su uso como forma de expresión artística. Los orígenes precisos son difíciles de conocer, pero los historiadores creen que puede haber surgido al mismo tiempo que el papel como medio de producción en masa en el siglo II. Los artesanos populares habrían estado familiarizados con el corte de patrones de espacio negativo de otros materiales, pero la asequibilidad del papel habría permitido una mayor experimentación creativa. A medida que el corte de papel se extendió por China (y más allá), diferentes comunidades fomentaron diferentes estilos y técnicas. Como muchas personas usan recortes de papel para decorar ventanas, puertas y entradas, a menudo se los conoce coloquialmente como chuang hua o "flores de ventana".
Quizás, como era de esperarse, el rojo ha sido durante mucho tiempo la opción favorita para las creaciones de papel cortado, dadas las muchas asociaciones positivas del rojo en la cultura china. Sin embargo, se pueden utilizar otros colores. Hoy en día, los artistas utilizan tijeras o cuchillos para dar forma a sus piezas, lo que se asemeja mucho a los métodos históricos para lograr diseños de papel cortado. Según Ling Tang, el artista de papel cortado para el festival de este año, el corte de papel sigue siendo una forma de arte popular que es parte integral de la cultura china. “Durante el Año Nuevo Lunar”, dice, “los hogares usan recortes de papel para decorar sus hogares. Una de las razones de su popularidad es su accesibilidad; herramientas simples como tijeras y papel (y los artistas experimentados pueden usar cuchillos de precisión) facilitan la participación de personas de todas las edades y niveles de habilidad. Tradicionalmente, el corte de papel se considera una de las habilidades artesanales esenciales de las mujeres, particularmente en la China rural. Hoy en día, todavía se transmite de generación en generación, pero con una población mucho más amplia. La transmisión de conocimientos suele tener lugar dentro de las familias, las comunidades y las escuelas con maestros experimentados en el corte de papel”.
Jewish Lower East Side
Between 1880 and 1924, Jewish immigrants from Eastern Europe constituted the dominant culture of the Lower East Side. Between 1880 and 1924, 2.5 million mostly-impoverished Ashkenazi Jews came to the US and nearly 75 percent became residents of the Lower East Side. Many of these immigrants spoke Yiddish, a language developed in the ninth century by Central and Eastern European Jews with a heavily German-based vernacular with elements of Hebrew, Aramaic, Slavic, and Romance languages written in the Hebrew alphabet. Many established synagogues, small shops, pushcarts, social clubs and financial-aid societies in their new home in New York.
By 1910, the Lower East Side’s population was well over 500 thousand, with many people living in cramped tenement buildings and working in overcrowded factories. By the 1920s, many Jewish residents began moving to new areas of the city and country. Yet, through the egg creams, pastrami sandwiches, historic synagogues, Yiddish music and stories that thrive here, the Lower East Side continues to hold meaning as a part of American Ashkenazi Jewish identity. In fact, the Jewish population is once again increasing, as young observant families move into the area, attracted by a strong infrastructure of religious, educational, and cultural institutions.
在1880年至1924年间，来自东欧的犹太移民构成了下东区的主流文化。在1880年至1924年期间，250万大多贫困的阿什肯纳兹犹太人来到美国，近75%成为下东区的居民。很多移民讲意第绪语，这是一种由中欧和东欧犹太人在9世纪发展起来的方言，具有浓厚的德语色彩，并带有希伯来语、阿拉米语、斯拉夫语和罗曼语的元素，并以希伯来语字母书写。许多人在他们纽约的新家建立了犹太教堂、小商铺、售卖小推车、俱乐部和经济援助协会。到了1910年，下东区的人口已远超50万，许多人居住在狭窄的公寓大楼，在拥挤不堪的工厂打工。到20世纪20年代，许多犹太居民开始迁往别的城市和乡村。然而，蛋蜜乳、五香熏牛肉三明治、历史悠久的犹太教堂、意第绪音乐和这里蓬勃发展的故事让下东区作为美国阿什肯纳兹犹太人身份的一部分继续保有着重要的含义。事实上，宗教、教育和文化机构等强大的基础设施吸引年轻的传统犹太家庭迁入该社区，犹太人口再次增长。
Entre 1880 y 1924, los inmigrantes judíos de Europa del Este constituyeron la cultura dominante del Lower East Side. Entre 1880 y 1924, 2,5 millones de judíos askenazíes, en su mayoría empobrecidos, llegaron a los EE. UU. y casi el 75 por ciento se convirtieron en residentes del Lower East Side. Muchos de estos inmigrantes hablaban yiddish, un dialecto desarrollado en el siglo IX por judíos de Europa central y oriental con una lengua vernácula fuertemente basada en el alemán con elementos de los idiomas hebreo, arameo, eslavo y romance escritos en el alfabeto hebreo. Muchos establecieron sinagogas, pequeñas tiendas, pequeños negocios ambulantes, clubes sociales y sociedades de ayuda financiera en su nuevo hogar en Nueva York. Para 1910, la población del Lower East Side superaba con creces los 500 mil, y muchas personas vivían en edificios de viviendas abarrotados y trabajaban en fábricas superpobladas. En la década de 1920, muchos residentes judíos comenzaron a mudarse a nuevas áreas de la ciudad y el país. Sin embargo, a través de las cremas de huevo, los sándwiches de pastrami, las sinagogas históricas, la música yiddish y las historias que prosperan aquí, el Lower East Side sigue teniendo significado como parte de la identidad judía askenazí estadounidense. De hecho, la población judía está aumentando una vez más, a medida que las familias jóvenes observantes se mudan al área, atraídas por una sólida infraestructura de instituciones religiosas, educativas y culturales.
Klezmer Music
Klezmer music emerged in the 19th century in the Yiddish-speaking Jewish communities of Poland, Romania, Russia, and Ukraine. Drawing from Jewish folk and sacred music, Klezmer musicians, known as klezmorim or klezmers, practiced a professional trade that was typically passed down within families. The musicians played for weddings, markets, local dances and other community events. Klezmer was immensely popular in the United States in the early part of the 20th century, where it absorbed influences from jazz and popular music of the day. Klezmer’s influence waned after World War II, but the genre was revived in the 1970s by a new generation of Jewish American musicians who sought out and studied with surviving elders. Today, this uniquely Jewish and eclectic form plays a vital role, bringing together generations of Jewish Americans to sing, dance, and celebrate while thrilling audiences of all backgrounds.
克里兹莫音乐于19世纪在波兰、罗马尼亚、俄罗斯和乌克兰的意第绪语犹太人社区出现。克里兹莫音乐家(klezmorim 或klezmers)从犹太民间音乐和圣乐中汲取营养，从事一种世代相传的行业。音乐家们为婚礼、集市、当地舞蹈和其他社区活动演奏。
20世纪初，克里兹莫音乐在美国大受欢迎，它吸收了当时的爵士乐和流行音乐的影响。克里兹莫音乐的影响在二战后逐渐减弱，但在20世纪70年代，新一代美国犹太音乐家振兴了克里兹莫音乐，他们找到上一代幸存的音乐家并向他们学习。今天，这种多元而又独特的犹太音乐形式正发挥着重要的作用，它让几代美国犹太人聚集在一起唱歌、跳舞和庆祝，同时也能鼓动拥有各种文化背景的观众的情绪。
La música Klezmer surgió en el siglo XIX en las comunidades judías de habla yiddish de Polonia, Rumania, Rusia y Ucrania. Inspirándose en la música sacra y popular judía, los músicos klezmer, conocidos como klezmorim o klezmers, practicaban este oficio que normalmente se transmitía de padres a hijos. Los músicos tocaban en bodas, mercados, bailes locales y otros eventos comunitarios. El Klezmer fue inmensamente popular en los Estados Unidos a principios del siglo XX, donde absorbió influencias del jazz y otras músicas populares de la época. Hoy en día, este sonido exclusivamente judío juega un papel vital, reuniendo a generaciones de estadounidenses judíos para cantar, bailar y celebrar mientras emociona a audiencias de diversos orígenes.
Yiddish Song
Much like klezmer, yiddish song and balladry has its roots in Jewish folk and sacred music. According to the Jewish Women’s Archive, “from the earliest American manifestations of Yiddish-language opera and operetta in the 1870s, women played central roles as writers, performers, and organizers… Singers such as Sophie Karp, Regina Prager, Bertha Kalish, Bessie Thomashefsky, Celia and Stella Adler, Jennie Goldstein, Nellie Casman, and Molly Picon drew audiences as headliners and gained fame on both sides of the Atlantic through posters, recordings, film, and sheet music.”
Yiddish music is characterized not just by the usage of the language itself, but also by its themes: as Hebrew has long been known as the loshn-koydesh (sacred tongue), Yiddish is known as the mame-loshn (mother tongue)—the language of the everyday. Many Yiddish songs of the late 19th and early 20th century speak of heartbreak, labor, and love. Mayn Rue Plats (“My Resting Place”) is an exceptional example of the genre:
Don’t look for me where myrtles grow,
You will not find me there, my beloved.
Where lives wither at the machines,
There is my resting place.
Today, Yiddish music continues to inspire and captivate ever-growing audiences, as performers experiment with sound, subject, and performance style. The Mamales, performing at this year’s festival, take their name from a 1938 Yiddish-Polish Molly Picon film, “Mamale.” As a trio, they hope to introduce new generations to the rich history of Yiddish songs.
与克里兹莫音乐一样，意第绪语歌曲和民谣也起源于犹太民间音乐和圣乐。根据《犹太妇女档案》：“从19世纪70年代美国最早的意第绪语歌剧和轻歌剧的表现来看，妇女作为作家、表演者和组织者发挥了核心作用……索菲·卡普(Sophie Karp)、雷吉娜·普拉格(Regina Prager)、贝莎·卡利什(Bertha Kalish)、贝西·托马斯夫斯基(Bessie Thomashefsky)、西莉亚·阿德勒(Celia Adler)和斯特拉·阿德勒(Stella Adler)、詹妮·戈德斯坦(Jennie Goldstein)、内莉·卡斯曼(Nellie Casman)以及莫利·皮孔(Molly Picon)等歌手作为头条新闻吸引了观众，并通过海报、唱片、电影和乐谱在大西洋两岸获得了声名。”
意第绪语音乐的特点不仅在于语言本身的使用，还在于其主题。希伯来语长期以来被称为神圣的语言(loshn-koydesh)，而意第绪语被称为母语(mame-loshn)，即日常语言。19世纪末和20世纪初的许多意第绪语歌曲歌唱了伤心的故事、劳动和爱情。《我的安息之地》(Mayn Rue Plats)是该类型歌曲的一个极好的例子：
不要去紫薇生长的地方找我，
你不会在那里找到我，我的爱人。
生命在机器上枯萎的地方，
那里是我的安息之地。
今天，意第绪音乐表演者对声音、主题和表演风格进行各种尝试，意第绪音乐继续吸引、鼓舞着越来越多的观众。在今年音乐节上表演的是小妈妈乐队(Mamales)，其名字来自1938年的一部由莫利·皮孔(Molly Picon)主演的意第绪-波兰电影《小妈妈》 (Mamale)。作为女子三人组合，她们希望向新一代介绍意第绪语歌曲的丰富历史。
Al igual que el klezmer, la canción y la balada en yiddish tienen sus raíces en la música sagrada y popular judía. Según el Archivo de Mujeres Judías, “desde las primeras manifestaciones estadounidenses de ópera y opereta en yiddish en la década de 1870, las mujeres desempeñaron papeles centrales como escritoras, intérpretes y organizadoras… Cantantes como Sophie Karp, Regina Prager, Bertha Kalish, Bessie Thomashefsky, Celia y Stella Adler, Jennie Goldstein, Nellie Casman y Molly Picon atrajeron al público como cabezas de cartel y ganaron fama en ambos lados del Atlántico a través de pósters, grabaciones, películas y partituras”. La música yiddish se caracteriza no sólo por el uso del idioma en sí, sino también por sus temas: así como el hebreo se conoce desde hace mucho tiempo como loshn-koydesh (lengua sagrada), el yiddish se conoce como mame-loshn (lengua materna), el lenguaje de lo cotidiano. Muchas canciones en yiddish de finales del siglo XIX y principios del XX hablan de angustia, trabajo y amor. “Mayn Rue Plats” (“My Resting Place”) es un ejemplo excepcional del género:
No me busques donde crecen los mirtos,
No me encontrarás allí, amada mía.
donde la vida se marchita en las máquinas,
Ahí está mi lugar de descanso.
Hoy en día, la música yiddish continúa inspirando y cautivando a un público cada vez mayor, ya que los artistas experimentan con el sonido, el tema y el estilo de interpretación. The Mameles, que actuarán en el festival de este año, toman su nombre de una película de Molly Picon en yiddish-polaco de 1938, Mamele. Este trío, espera dar a conocer a las nuevas generaciones la rica historia de las canciones en yiddish Today, Yiddish music continues to inspire and captivate ever-growing audiences, as performers experiment with sound, subject, and performance style. The Mamales, performing at this year’s festival, take their name from a 1938 Yiddish-Polish Molly Picon film, “Mamale.” As a trio, they hope to introduce new generations to the rich history of Yiddish songs.
Yiddish Dance
Yiddish Dance is the folk dance tradition that developed in tandem with Klezmer music. While there are circle, line and square dance forms, the heart of Yiddish dance is in individual improvisation, where people interact with each other and with the music through expressive styling.
For hundreds of years, Ashkenazi Jews were part of a diverse tapestry of ethnic communities in Eastern and Central Europe, and their cultural life was rich and vibrant. Dance was an important form of cultural expression and community cohesion for Jews, whether they lived in cities or villages. Interestingly, East European Jews did not only perform dances particular to their own community; much of their dance repertoire had a multi-cultural dimension and included elements from their non-Jewish neighbors. Thus, they knew and performed many cosmopolitan forms and dances from shared territory, including the Polish oberek, Ukrainian kolomeyke, Hungarian czardas, waltzes, and foxtrots. Nevertheless, the Jews of Eastern Europe also practiced unique dances, with a vocabulary of gestures that was highly differentiated from that of their non-Jewish neighbors. These included circle formations such as freylekh, hora and bulgar; the couples’ square dance known as sher; forms tied to wedding rituals, such as the broyges tants (dance of anger and reconciliation); or the mitsve tantse, in which honored guests danced with the bride.
Among late 19th and early 20th century Jewish immigrants in New York, bulgar and freylekh dance steps became interwoven and hybrid choreographies developed. A number of factors conspired to diminish interest in traditional dance in America. A tightening of immigration laws in the 1920s greatly restricted Jewish immigration from Eastern Europe and stopped the regular replenishment of Yiddish speakers and specialists. The trauma of the Holocaust and the birth of the State of Israel caused the rapidly assimilating and suburbanizing American Jewish population to look toward Israel rather than Europe for a source of ethnic pride and cultural sustenance.
意第绪语舞蹈是与克里兹莫音乐同步发展起来的民间传统舞蹈。虽然有圆舞、排舞和方块舞等形式，但意第绪舞蹈的核心在于个人的即兴表演，通过富有表现力的造型与对方和音乐互动。数百年来，阿什肯纳兹犹太人是东欧和中欧民族多样性的一部分，他们的文化生活丰富又充满活力。无论生活在城市还是乡村，舞蹈都是犹太人文化表达和社区凝聚力的一种重要表现形式。有趣的是，东欧犹太人不仅表演他们自己社区特有的舞蹈；他们的许多舞蹈剧目都具有多元文化的特点，吸收了来自临近的非犹太人社区的元素。因此，他们知晓并表演许多国际性的舞蹈形式和来自共同领土的舞蹈，包括波兰的奥贝雷克(oberek)、乌克兰的珂罗米亚克(kolomeyke)、匈牙利的恰尔达什(czardas)、华尔兹和狐步。然而，东欧的犹太人也有自己独特的舞蹈，他们的舞蹈语汇与非犹太人的大相径庭。这些独特的舞蹈形式包括圆舞(freylekh、hora和bulgar等)；夫妻方块舞(sher)；与婚礼仪式有关的愤怒与和解的舞蹈(broyges tants)；或尊贵的客人与新娘合跳的舞蹈(mitsve tantse)。在19世纪末和20世纪初的纽约犹太移民中，两种圆舞步(bulgar和freylekh)交织在一起形成了混合编舞。在某些因素的共同作用下，美国人对传统舞蹈不再那么感兴趣了。20世纪20年代，移民法的收紧大大限制了来自东欧的犹太移民，从而暂停了对讲意第绪语的人员和专家的定期补充。犹太人大屠杀的创伤和以色列的诞生使迅速同化和郊区化的美国犹太人将目光投向以色列，而不是欧洲，以寻求民族自豪感和文化寄托。
La danza yiddish es la tradición de la danza folclórica que se desarrolló junto con la música Klezmer. Si bien existen formas de danza en círculo, en línea y en cuadrado, el corazón de la danza yiddish está en la improvisación individual, donde las personas interactúan entre sí y con la música a través de un estilo expresivo. Durante cientos de años, los judíos asquenazíes formaron parte de un tapiz diverso de comunidades étnicas en Europa central y oriental, y su vida cultural era rica y vibrante. La danza era una forma importante de expresión cultural y cohesión comunitaria para los judíos, ya sea que vivieran en ciudades o pueblos. Curiosamente, los judíos de Europa del Este no solo hacían bailes particulares para su propia comunidad; gran parte de su repertorio de baile tenía una dimensión multicultural e incluía elementos de sus vecinos no judíos. Por lo tanto, conocían y ejecutaban muchas formas y bailes cosmopolitas del territorio compartido, incluidos el oberek polaco, el kolomeyke ucraniano, las czardas húngaras, los valses y los foxtrots. Sin embargo, los judíos de Europa del Este también practicaban danzas singulares, con un vocabulario de gestos muy diferentes de sus vecinos no judíos. Estos incluían formaciones circulares como freylekh, hora y bulgar; el baile de parejas conocido como sher; formas ligadas a rituales nupciales, como los broyges tants (danza de la ira y la reconciliación); o la mitsve tantse, en la que los invitados de honor bailaban con la novia. Entre los inmigrantes judíos de finales del siglo XIX y principios del XX en Nueva York, los pasos de baile bulgar y freylekh se entrelazaron y se desarrollaron coreografías híbridas. Varios factores conspiraron para disminuir el interés por la danza tradicional en Estados Unidos. Un endurecimiento de las leyes de inmigración en la década de 1920 restringió en gran medida la inmigración judía de Europa del Este y detuvo la reposición regular de hablantes y especialistas en yiddish. El trauma del Holocausto y el nacimiento del Estado de Israel hizo que la población judía estadounidense que se asimilaba rápidamente y se mudara a los suburbios mirara hacia Israel en lugar de Europa en busca de una fuente de orgullo étnico y sustento cultural.
Paper Cutting
Paper cutting is believed to have originated in ancient China, in the second century. It then spread to Turkey, North Africa, Persia and Eastern and Central Europe. The paper cut became an important Jewish folk art during the 17th to 19th centuries. Because it required only simple and readily available tools such as paper, pencil and knife, paper cutting was available to all. Often used to embellish the commandments in an aesthetic way, papercuts were displayed on the walls of homes and synagogues and served a range of spiritual and ritual purposes to indicate the direction of prayer, as holiday decorations for the Jewish festivals of Shavuot and Simchat Torah, as amulets to ward off the evil eye, to commemorate a yahrzeit (anniversary of a family member’s death), and as calendars for counting the days of the omer between Passover and Shavuot. Papercuts were also used to decorate wedding contracts. Unlike other papercuts that were common in the general population, the Jewish papercut did not feature human subjects or depict daily life. During the first half of the 20th century this tradition nearly disappeared when many of its practitioners were murdered in the Holocaust. However, during the last forty years the art of paper cutting as a means of Jewish expression has been revived.
剪纸被认为起源于2世纪的古代中国。随后，它被传播到土耳其、北非、波斯以及东欧和中欧。在17至19世纪，剪纸成为一种重要的犹太民间艺术。因为剪纸只需要简单和容易获得的工具，如纸、铅笔和刀，所以任何人都可以参与。剪纸经常被用来点缀戒律，被展示在犹太教堂和家庭的墙壁上，并为一系列宗教仪式服务指明祈祷的方向，作为犹太五旬节(Shavuot)和妥拉节(Simchat Torah)的节日装饰，作为避邪的护身符纪念家庭成员的死亡纪念日(yahrzeit)，并作为逾越节和沙乌特节之间数算俄梅珥的日历。剪纸还被用来点缀婚礼合同。与一般人常见的其他剪纸不同，犹太人的剪纸不以人物为主题，也不描绘日常生活。在20世纪上半叶，由于许多会这么手艺的犹太人在大屠杀中被杀害，这一传统几乎消失了。然而，在过去的四十年里，剪纸艺术作为犹太人的一种表达方式得以复苏。
Se cree que el corte de papel ornamental se originó en la antigua China, en el siglo II. Luego se extendió a Turquía, África del Norte, Persia y Europa Central y Oriental. El corte de papel se convirtió en un importante arte popular judío durante los siglos XVII al XIX. Debido a que sólo requería herramientas simples y fácilmente disponibles, como papel, lápiz y cuchillo, el corte de papel estaba disponible para todos. A menudo era para embellecer los mandamientos de una forma estética, el papel cortado se exhibía en las paredes de los hogares y las sinagogas y servía para una variedad de propósitos espirituales y rituales: para indicar la dirección de la oración, como decoraciones para las festividades judías de Shavuot y Simjat Torá, como amuletos para ahuyentar el mal de ojo, para conmemorar un yahrzeit (aniversario de la muerte de un familiar), y como calendarios para contar los días del omer entre Pésaj y Shavuot. El papel cortado también se utilizó para decorar los contratos de boda. A diferencia de otros tipos de papel cortado que eran comunes en la población general, el judío no presentaba humanos, ni representaba la vida cotidiana. Durante la primera mitad del siglo XX, esta tradición casi desapareció cuando muchos de sus practicantes fueron asesinados en el Holocausto. Sin embargo, durante los últimos cuarenta años el arte de cortar papel como expresión judía, ha revivido.
Sofrut: Hebrew Scribal Arts
Jewish tradition says when Moses went to Mount Sinai to receive the Torah, he was taught how to inscribe the letters directly by G-d. He then taught the practice to his students, who in turn taught their students, and in this way the tradition of the sofer, or Hebrew scribe, has been passed down through generations. The scribe plays an important role in Jewish religious life: their responsibilities include the preparation of religious documents such as Torah scrolls, mezuzot scrolls, and tefillin. To be certified they must have a thorough knowledge of the laws, know how to write the letters in the correct form, and approach their work with the proper intention. The process of writing and the materials used by scribes have remained constant for thousands of years. Documents are written on parchment made from the skin of a kosher animal; the ink is also prepared in a traditional manner. Many scribes work as inspectors, reviewing religious documents to ensure that they conform to the laws, and repairing them as necessary.
犹太传统认为，摩西去西奈山接受《妥拉》(Torah)时，上帝直接教他如何书写字母。然后他把这门艺术传授给他的学生，他的学生又传授给他们的学生，就这样，希伯来抄经士(sofer)的传统被世代传承下来。抄经士在犹太人的宗教生活中扮演着重要的角色：他们的职责包括准备宗教文件，如《妥拉》卷轴、《门框经文盒》(mezuzot)卷轴和经文护符匣(tefillin)。为了获得认证，他们必须对经律有全面的了解，知道如何以正确的形式书写字母，并以正确的态度对待他们的工作。认证过程的一部分是在浸礼池(mikvah)中净化身体。几千年来，抄经士的书写过程和使用的材料一直保持不变。经文抄写在符合犹太教规的动物皮制成的羊皮纸上；墨水也是以传统方式准备的。许多抄经士担任监督员的工作，审查宗教文件以确保符合法律规定，并在必要时对其进行修补。
La tradición judía dice que cuando Moisés fue al Monte Sinaí para recibir la Torá, el mismo Dios le enseñó cómo escribir las letras. Luego enseñó la práctica a sus alumnos, quienes a su vez enseñaron a sus alumnos, y de esta manera la tradición del sofer, o escriba hebreo, se ha transmitido de generación en generación. El escriba juega un papel importante en la vida religiosa judía: sus responsabilidades incluyen la preparación de documentos religiosos como los rollos de la Torá, los rollos de mezuzot y los tefilín. Para obtener la certificación, deben tener un conocimiento profundo de las leyes, saber cómo escribir las letras en la forma correcta y abordar su trabajo con la intención adecuada. Parte del proceso de certificación es una purificación física en un mikve (baño ritual). El proceso de escritura y los materiales utilizados por los escribas se han mantenido constantes durante miles de años. Los documentos están escritos en pergamino hecho con la piel de un animal kosher; la tinta también se prepara de manera tradicional. Muchos escribas trabajan como inspectores, revisando documentos religiosos para asegurarse de que se ajusten a las leyes y reparándolos cuando es necesario.
Please note the Museum will be closing early on Sunday, 10/8 at 2PM for a private event